EL AGUA Y LA PIEDRA

EL AGUA Y LA PIEDRA

ACUARELA Y ESCULTURA EN EL VISOR

4, 5, y 6 de julio de 2014 

En esta exposición participaron:

ESCULTURA
ANNA GARRIDO
ANNE BOUSQUET
EMMA R. BALSELLS
FABIÁN BARRIENTOS
IRINA ROYO
ISRAEL ADAN
MARÍA EVSEEVA
MERCÈ CAMPOS
MONTSE RIERA
PATRICIA DIZ
SARA BASTIDA
ACUARELA
AGUSTIN VILELLA
ANA GARRIDO
ANA MARÍA ARRANZ
ANA MIRALLES
ANA SERRA
BRUNO POTHAST
DIANA PARDO
EDUARDO MÉNDES
ELENA MUÑOZ
EULALIA CASTELLÓ
GREGORIO ALBACAR
INMA BUSQUET
IRINA ROYO
JOSEP MARÍA PADROL
LOLA ALMIRALL
MARI CARMEN VÁZQUEZ
MARÍA EVSEEVA
MARIA VILÁ
MARTA CARRANZA
MERÇÈ BOFILL
MERCÈ CAMPOS
MILENA CIFUENTES
MONSERRAT PLANS
MONTSE SEGURA

PATRICIA DIZ
PILAR UDINA
ROSA BIRULÉS
SAMANTA MARÍN
SANDRA ARTOLA
SARA BASTIDA
SARA GÁMEZ

El Agua y la Piedra en la Historia del Arte

Desde la antigüedad, los pigmentos son elaborados a partir de tratamientos químicos, pero también a partir de elementos naturales.
Los hay elaborados a partir de plantas, o insectos, y a partir de minerales. El fino polvo de rocas primitivas extraídas de canteras y a veces calcinadas, es mezclado con el agua y con un aglutinante para dar cuerpo a una pintura, que a su vez se volverá a diluir en agua para dar las delicadas y transparentes pinceladas de la acuarela.
A su vez, la escultura utiliza la mezcla finos polvos de tierra, producto de la descomposición de rocas que según sus grados de pureza poseen distintos colores y tonalidades, y que mediante el agregado del agua obtienen plasticidad, lo que facilita el modelado de sus piezas.
En esta exposición quisimos unir dos disciplinas que, aunque en apariencia tienen pocas cosas en común, parten de una misma raíz.
La necesidad del ser humano de expresar su visión, sus ideas y sus sentimientos.

Los alumnos del Taller de Acuarelas presentan en sus trabajos, desde los primeros ejercicios para perfeccionar la pincelada y trabajar las luces y las sombras, pasando más adelante, a hacer copias de acuarelistas reconocidos para mejorar su técnica, hasta desarrollar su creatividad mediante trabajos del natural de flores, plantas, y naturalezas muertas.

Utilizamos el tema del bodegón de elementos de cristal para estudiar los brillos y las transparencias, y por otro lado, la transformación de una composición de vasijas de barro donde a través de la investigación hemos llegado hasta la abstracción. Siempre disfrutando de las posibilidades que da esta técnica: la frescura y la delicadeza que la caracterizan.
En cuanto a escultura, encontraréis una selección de unas treinta obras que da cuenta, por una parte de la variedad de las técnicas estudiadas, y por otra parte de una metodología rigurosa, que comienza con un ejercicio de copia y que se traduce unos años más tarde en piezas de carácter personal, ambiciosamente ejecutadas en su técnica y enriquecidas por referencias a la historia del arte.

Breve apunte histórico

A principios del siglo XIX la Acuarela continua siendo una técnica y un arte menor en Europa
Pero entre 1750 y 1850 en Inglaterra alcanza el desarrollo extraordinario de un gran arte y es en el siglo XIX que el paisaje toma el lugar que hasta entonces había ocupado el retrato y la representación histórica

Los principios de la libertad individual y la tolerancia que marcó Inglaterra a comienzos del siglo XIX, hace que la Acuarela sea sin duda el instrumento ideal para sus experiencias

Fluida y transparente, es la materia ideal para restituir la luz y la atmósfera del paisaje inglés que resulta la principal fuente de inspiración, lo que permite una libertad técnica que la pintura al óleo todavía no había utilizado en el siglo XIX.

La importancia dada a la forma y el color por los artistas del siglo XX toma sus fuentes de la innovación de los acuarelistas
En ningún lugar de Europa la Acuarela se práctica como en Inglaterra, su valor estético le confiere un lugar en la historia europea del arte.

Artistas y profesionales que utilizaron la acuarela

Los topógrafos, sustituidos más tarde por los fotógrafos.

Los paisajistas, estudian la naturaleza y su representación imaginativa, sublime y romántica.

los pintores viajeros, por la rapidez de ejecución y la posibilidad de un material reducido, algunos pintores viajeros escogieron explorar el Próximo -Oriente, Tierra Santa, Egipto, Grecia y Asia Menor, en conde realizaron sus mejores Acuarelas.

Los caricaturistas, los retratistas, los ilustradores…

La virtuosidad es la búsqueda de un equilibrio entre el intelecto y la emoción, la magia de los colores, la fuerza de la expresión, la inventiva de los procesos.

Todo el poder técnico de la pintura depende de la capacidad de redescubrir la inocencia en el ojo, es decir la percepción infantil de las manchas planas de color, sin conciencia de lo que significan

John Ruskin

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Leer la naturaleza es verla sin el velo de la interpretación, como las manchas de color siguen las reglas de la armonía: pintar es registrar coloridas sensaciones

Paul Cézanne

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Acuarela en EL VISOR

Nuestra forma de enseñanza se basa principalmente en un proceso en varios pasos. Siendo la acuarela una técnica rigurosa, que debe ser planificada, y no permite prácticamente improvisación, su aprendizaje debe hacerse en forma lenta y paciente.
Los alumnos del taller van de lo más sencillo a lo más complejo.
Para comprender primero la técnica, utilizamos obras de otros acuarelistas, ya que es evidente que es más fácil pintar a partir de imitar otra acuarela.
El segundo paso es utilizar fotografías, y el tercero es trabajar del natural.
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En esta exposición encontraremos entonces, flores y plantas pintadas a partir de otras acuarelas, a partir de fotos, copias de grandes acuarelistas (Como William Turner, Joshua Cristall, William James Müller y Thomas Girtin, John Sell Cotman, el naturalista y ornitólogo John James Audubon o el escritor Günter Grass), pero también ejercicios de apariencia sencilla, pero que no lo son en absoluto, como las acuarelas de las cáscaras de huevos rotos, las flores, las plantas y los bodegones pintados del natural.

Cadáver exquisito

El cadavre exquis era un antiguo juego de salón adoptado por los surrealistas.
Se cree que el nombre nació del primer cadáver jugado por estos artistas, cuyo texto comenzaba así: “Le cadavre exquis boira le vin noveau…” (El cadáver exquisito beberá vino joven…”).
El juego del cadáver exquisito se practica entre un grupo de personas que escribe o dibuja una composición en secuencia.
Cada participante del grupo sólo puede ver el final de lo que ha escrito el jugador anterior, continúa con su propia escritura y oculta luego casi todo el texto para que el siguiente participante continúe la historia.
El resultado es la combinación de diferentes elementos a partir de una misma idea, agregando otros que pueden pertenecer o no a ésta o a la realidad
Los teóricos y asiduos al juego (en su comienzo, Robert Desnos. Paul Eluard, André Breton y Tristan Tzara sostenían que la creación, especialmente la poética, debe ser anónima y grupal, intuitiva, espontánea, lúdica y en lo posible automática.
De hecho, muchos de estos ejercicios se han llevado a cabo bajo la influencia de sustancias que inducían hacia estados de semiinconsciencia o durante experiencias hipnóticas.
Nicolas Calas –vanguardista suizo- sostenía que un cadáver exquisito tiene la facultad de revelar la realidad inconsciente del grupo que lo ha creado, concretamente los aspectos no verbalizables de la angustia y el deseo de sus miembros, en relación con las dinámicas de posicionamiento afectivo dentro del mismo. El pintor surrealista alemán Max Ernst observó que el juego funciona como un ‘barómetro’ de los contagios intelectuales dentro de un círculo de creadores.
La técnica del cadáver exquisito fue adaptada al dibujo y al collage quizás inspirados en ilustraciones infantiles en las que las páginas eran divididas en tres partes (el tercio superior mostraba la cabeza de una persona o animal, la parte media el torso y la inferior las piernas).
Los niños tenían la habilidad de mezclar y emparejar figuras volteando las páginas.
También se suele practicar enviando por correo un dibujo o collage a los jugadores —por etapas progresivas—; eso se conoce como “cadáver exquisito por correo” (aparentemente, sin importar si el juego realmente viaja por vía postal o no).
Algunos han practicado el juego de dibujo con un acuerdo más o menos vago en relación a cuál será el resultado de la ilustración.

Estos trabajos se basan en una serie de ejercicios inspirados en este juego.

El Cadáver Exquisito en Acuarela

A diferencia de los Cadáveres Exquisitos que se ejecutan en Dibujo (Cuya intención es demostrar que el alumno cuando no sabe lo que está dibujando, dibuja mejor que cuando reconoce el modelo), en Acuarela la intención no está en que el alumno aprenda a dibujar, sino a comprender la técnica de la acuarela y por otro lado a lograr los colores del original. Por esto, los trozos de los Cadáveres en este caso ya están dibujados de antemano. Además porque el alumno tiene que resolver este ejercicio en dos o tres horas como máximo, ya que en general se hacen en clases especiales, con alumnos que no están cursando el taller de Acuarela.

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Es sorprendente como estas personas, en dos o tres horas no sólo captan la forma de aplicar las transparencias de la pintura, sino que además, aún cuando muchos de ellos todavía no trabajaban en color, lograron el matiz prácticamente exacto del original.
Nuevamente comprobamos que cuando no existe la presión de una imagen completa y reconocible, el alumno logra sorprendentes resultados prácticamente sin proponérselo.

Adoro pintar, disfruto mientras pinto y encuentro el proceso cada vez más excitante (en ocasiones me he encontrado introduciendo el pincel en la taza de té y bebiendo el agua del pote de limpiar los pinceles)

Utilizo plantas y flores como vehículos para pintar excitantes composiciones.

Quiero dejar claro que esta no es “manera” de pintar flores, pero creo que cualquiera debe probar otras formas de pintar, para encontrarse a si mismo y su propio estilo. ¡No soy ilustradora botánica, sino pintora¡

Pinto Acuarelas, porque son:

– Frescas

– Brillante

-Húmedas

La preparación es muy importante y cuanto mejor sea, más fácil será tener éxito cuando se empiece el trabajo. Pongo particular énfasis en la planificación, la composición y la búsqueda del color

Los tres elementos más importantes en mi trabajo son:

– Color

– Composición

– Espontaneidad

He aprendido a arriesgar y fallar, lo que encuentro duro, pero siempre tiene la recompensa final.

Mi punto de vista es que cuando hayas aprendido todas las normas, las olvides y empieces a romperlas… pero nunca antes.

Julie Collins. Painting Flowers with Impact in Watercolour

 

ÁRBOLES

La acuarela, por su ductilidad que permite su combinación con diferentes materiales y técnicas. Se puede combinar con pasteles, lápices de colores, plumillas y tinta china, acrílico, óleo, etc.
En el caso de los árboles, el alumno ha trabajado pintando en uno de los ejemplos sólo el tronco del árbol, y en el otro, todo lo que lo rodea, es decir su espacio negativo.
Para trabajar las texturas del follaje por un lado, y las nervaduras del viejo tronco, por el otro, ha utilizado tramas rotulador de punta fina.
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La alumna ha tomado como ejemplo una acuarela de John Sell Cotman:
Castaño español herido
Al olmo viejo, hendido por el rayo
y en su mitad podrido,
con las lluvias de abril y el sol de mayo
algunas hojas verdes le han salido.

¡El olmo centenario en la colina
que lame el Duero! Un musgo
amarillento le mancha la corteza blanquecina
al tronco carcomido y polvoriento.

No será, cual los álamos cantores
que guardan el camino y la ribera,
habitado de pardos ruiseñores.

Ejército de hormigas en hilera
va trepando por él, y en sus entrañas
urden sus telas grises las arañas.

Antes que te derribe, olmo del Duero,
con su hacha el leñador, y el carpintero
te convierta en melena de campana,
lanza de carro o yugo de carreta;
antes que rojo en el hogar, mañana,
ardas de alguna mísera caseta,
al borde de un camino;
antes que te descuaje un torbellino
y tronche el soplo de las sierras blancas;
antes que el río hasta la mar te empuje
por valles y barrancas,
olmo, quiero anotar en mi cartera
la gracia de tu rama verdecida.
Mi corazón espera
también, hacia la luz y hacia la vida,
otro milagro de la primavera.

A un olmo seco
Antonio Machado

MARINAS

Otro de los temas tradicionales por excelencia de la acuarela son las marinas.
De nuevo la transparencia de la pincelada, y la característica acuosa de su aplicación la asocian lógicamente con el mar. A su vez, la superposición de las distintas capas de color, produce un efecto de profundidad, también asociable a la sensación que nos produce la visión del agua del mar, ríos o lagos.

 

TEXTURAS

Uno de los desafíos del pintor de acuarela es lograr los efectos que producen las diferentes texturas.
Las delicadas plumas de un pájaro, los brillos tornasolados de las escamas de un pez, son un interesante tema para practicar esta habilidad.
Se han tomado como ejemplo los trabajos “Arenques ahumados” de Ronald Jesty y “Martín Pescador Ceñido del naturalista ornitólogo francés nacionalizado estadounidense, John James Audubon quien hizo un exhaustivo trabajo grabando y pintando en general acuarelas, en su obra “Birds of América”.
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Uno de los grandes mitos que rodea la pin­tura de animales salvajes, especialmente de aves, es que el artista ha «captado» de algún modo el tema, dibujando y pintando realmen­te en directo. Este no es casi nunca el caso. Es mucho más probable que el cuadro sea el re­sultado de una amplia gama de influencias y materiales de partida diferentes. Para el artista de naturaleza delicada, todo tipo de ayudas y referencias son válidas, desde el esbozo rápi­do dibujado en el campo, pasando por las fo­tografías de gran calidad, hasta los estudios detallados de aves muertas y quizás estudios anatómicos del esqueleto. Incluso el entorno del animal puede dibujarse especialmente a partir de fuentes distintas o de materiales cui­dadosamente distribuidos en el estudio. Todo sirve para el artista y todo se emplea para crear una imagen que parezca todo lo natural posi­ble.
En los siglos pasados, cuando no era posible usar fotografías, una práctica común para los ar­tistas de naturaleza era disparar contra las aves que querían pintar y preparar los cuerpos con una posición para que parecieran vivos. John James Audubon (1785-1851), el pintor natura­lista norteamericano, tiene fama de haber sa­crificado miles de aves en busca de detalles auténticos para su libro Las aves de América. Po­demos lamentar su práctica, pero pocos la­mentaríamos los resultados: Audubon es uno de los mejores pintores de aves de todos los tiempos.