En esta exposición participaron:
Desde la antigüedad, los pigmentos son elaborados a partir de tratamientos químicos, pero también a partir de elementos naturales.
Los hay elaborados a partir de plantas, o insectos, y a partir de minerales. El fino polvo de rocas primitivas extraídas de canteras y a veces calcinadas, es mezclado con el agua y con un aglutinante para dar cuerpo a una pintura, que a su vez se volverá a diluir en agua para dar las delicadas y transparentes pinceladas de la acuarela.
A su vez, la escultura utiliza la mezcla finos polvos de tierra, producto de la descomposición de rocas que según sus grados de pureza poseen distintos colores y tonalidades, y que mediante el agregado del agua obtienen plasticidad, lo que facilita el modelado de sus piezas.
En esta exposición quisimos unir dos disciplinas que, aunque en apariencia tienen pocas cosas en común, parten de una misma raíz.
La necesidad del ser humano de expresar su visión, sus ideas y sus sentimientos.
Los alumnos del Taller de Acuarelas presentan en sus trabajos, desde los primeros ejercicios para perfeccionar la pincelada y trabajar las luces y las sombras, pasando más adelante, a hacer copias de acuarelistas reconocidos para mejorar su técnica, hasta desarrollar su creatividad mediante trabajos del natural de flores, plantas, y naturalezas muertas.
Utilizamos el tema del bodegón de elementos de cristal para estudiar los brillos y las transparencias, y por otro lado, la transformación de una composición de vasijas de barro donde a través de la investigación hemos llegado hasta la abstracción. Siempre disfrutando de las posibilidades que da esta técnica: la frescura y la delicadeza que la caracterizan.
En cuanto a escultura, encontraréis una selección de unas treinta obras que da cuenta, por una parte de la variedad de las técnicas estudiadas, y por otra parte de una metodología rigurosa, que comienza con un ejercicio de copia y que se traduce unos años más tarde en piezas de carácter personal, ambiciosamente ejecutadas en su técnica y enriquecidas por referencias a la historia del arte.
A principios del siglo XIX la Acuarela continua siendo una técnica y un arte menor en Europa
Pero entre 1750 y 1850 en Inglaterra alcanza el desarrollo extraordinario de un gran arte y es en el siglo XIX que el paisaje toma el lugar que hasta entonces había ocupado el retrato y la representación histórica
Los principios de la libertad individual y la tolerancia que marcó Inglaterra a comienzos del siglo XIX, hace que la Acuarela sea sin duda el instrumento ideal para sus experiencias
Fluida y transparente, es la materia ideal para restituir la luz y la atmósfera del paisaje inglés que resulta la principal fuente de inspiración, lo que permite una libertad técnica que la pintura al óleo todavía no había utilizado en el siglo XIX.
La importancia dada a la forma y el color por los artistas del siglo XX toma sus fuentes de la innovación de los acuarelistas
En ningún lugar de Europa la Acuarela se práctica como en Inglaterra, su valor estético le confiere un lugar en la historia europea del arte.
Los topógrafos, sustituidos más tarde por los fotógrafos.
Los paisajistas, estudian la naturaleza y su representación imaginativa, sublime y romántica.
los pintores viajeros, por la rapidez de ejecución y la posibilidad de un material reducido, algunos pintores viajeros escogieron explorar el Próximo -Oriente, Tierra Santa, Egipto, Grecia y Asia Menor, en conde realizaron sus mejores Acuarelas.
Los caricaturistas, los retratistas, los ilustradores…
La virtuosidad es la búsqueda de un equilibrio entre el intelecto y la emoción, la magia de los colores, la fuerza de la expresión, la inventiva de los procesos.
Todo el poder técnico de la pintura depende de la capacidad de redescubrir la inocencia en el ojo, es decir la percepción infantil de las manchas planas de color, sin conciencia de lo que significanJohn Ruskin
Leer la naturaleza es verla sin el velo de la interpretación, como las manchas de color siguen las reglas de la armonía: pintar es registrar coloridas sensacionesPaul Cézanne
El cadavre exquis era un antiguo juego de salón adoptado por los surrealistas.
Se cree que el nombre nació del primer cadáver jugado por estos artistas, cuyo texto comenzaba así: «Le cadavre exquis boira le vin noveau…» (El cadáver exquisito beberá vino joven…»).
El juego del cadáver exquisito se practica entre un grupo de personas que escribe o dibuja una composición en secuencia.
Cada participante del grupo sólo puede ver el final de lo que ha escrito el jugador anterior, continúa con su propia escritura y oculta luego casi todo el texto para que el siguiente participante continúe la historia.
El resultado es la combinación de diferentes elementos a partir de una misma idea, agregando otros que pueden pertenecer o no a ésta o a la realidad
Los teóricos y asiduos al juego (en su comienzo, Robert Desnos. Paul Eluard, André Breton y Tristan Tzara sostenían que la creación, especialmente la poética, debe ser anónima y grupal, intuitiva, espontánea, lúdica y en lo posible automática.
De hecho, muchos de estos ejercicios se han llevado a cabo bajo la influencia de sustancias que inducían hacia estados de semiinconsciencia o durante experiencias hipnóticas.
Nicolas Calas –vanguardista suizo- sostenía que un cadáver exquisito tiene la facultad de revelar la realidad inconsciente del grupo que lo ha creado, concretamente los aspectos no verbalizables de la angustia y el deseo de sus miembros, en relación con las dinámicas de posicionamiento afectivo dentro del mismo. El pintor surrealista alemán Max Ernst observó que el juego funciona como un ‘barómetro’ de los contagios intelectuales dentro de un círculo de creadores.
La técnica del cadáver exquisito fue adaptada al dibujo y al collage quizás inspirados en ilustraciones infantiles en las que las páginas eran divididas en tres partes (el tercio superior mostraba la cabeza de una persona o animal, la parte media el torso y la inferior las piernas).
Los niños tenían la habilidad de mezclar y emparejar figuras volteando las páginas.
También se suele practicar enviando por correo un dibujo o collage a los jugadores —por etapas progresivas—; eso se conoce como “cadáver exquisito por correo” (aparentemente, sin importar si el juego realmente viaja por vía postal o no).
Algunos han practicado el juego de dibujo con un acuerdo más o menos vago en relación a cuál será el resultado de la ilustración.
Estos trabajos se basan en una serie de ejercicios inspirados en este juego.
Adoro pintar, disfruto mientras pinto y encuentro el proceso cada vez más excitante (en ocasiones me he encontrado introduciendo el pincel en la taza de té y bebiendo el agua del pote de limpiar los pinceles)Utilizo plantas y flores como vehículos para pintar excitantes composiciones.
Quiero dejar claro que esta no es “manera” de pintar flores, pero creo que cualquiera debe probar otras formas de pintar, para encontrarse a si mismo y su propio estilo. ¡No soy ilustradora botánica, sino pintora¡
Pinto Acuarelas, porque son:
– Frescas
– Brillante
-Húmedas
La preparación es muy importante y cuanto mejor sea, más fácil será tener éxito cuando se empiece el trabajo. Pongo particular énfasis en la planificación, la composición y la búsqueda del color
Los tres elementos más importantes en mi trabajo son:
– Color
– Composición
– Espontaneidad
He aprendido a arriesgar y fallar, lo que encuentro duro, pero siempre tiene la recompensa final.
Mi punto de vista es que cuando hayas aprendido todas las normas, las olvides y empieces a romperlas… pero nunca antes.
Julie Collins. Painting Flowers with Impact in Watercolour
Al olmo viejo, hendido por el rayo
y en su mitad podrido,
con las lluvias de abril y el sol de mayo
algunas hojas verdes le han salido.¡El olmo centenario en la colina
que lame el Duero! Un musgo
amarillento le mancha la corteza blanquecina
al tronco carcomido y polvoriento.No será, cual los álamos cantores
que guardan el camino y la ribera,
habitado de pardos ruiseñores.Ejército de hormigas en hilera
va trepando por él, y en sus entrañas
urden sus telas grises las arañas.Antes que te derribe, olmo del Duero,
con su hacha el leñador, y el carpintero
te convierta en melena de campana,
lanza de carro o yugo de carreta;
antes que rojo en el hogar, mañana,
ardas de alguna mísera caseta,
al borde de un camino;
antes que te descuaje un torbellino
y tronche el soplo de las sierras blancas;
antes que el río hasta la mar te empuje
por valles y barrancas,
olmo, quiero anotar en mi cartera
la gracia de tu rama verdecida.
Mi corazón espera
también, hacia la luz y hacia la vida,
otro milagro de la primavera.A un olmo seco
Antonio Machado
Otro de los temas tradicionales por excelencia de la acuarela son las marinas.
De nuevo la transparencia de la pincelada, y la característica acuosa de su aplicación la asocian lógicamente con el mar. A su vez, la superposición de las distintas capas de color, produce un efecto de profundidad, también asociable a la sensación que nos produce la visión del agua del mar, ríos o lagos.
